ECM１７５０−１７９９番

(01/01/12)このシリーズのサンプラーとしては２枚目。２０００年春号、ということらしいです。９曲収められていますが、元ネタとなるアルバムは６枚だけ。しかも８−９曲目はNew Series。収録時間も５０分弱なので、まあ、BGMとして楽しむためならば（果たして楽しめるだろうかという疑問はありますが）良いのかな、という気がします。最近のECMの傾向には違いありませんが、昔と比べてその傾向も、全体的には、よりコマーシャルな方向とは離れていき、静かに、深く、ダークになってきたという印象。このアルバムでは硬軟とりまぜて、という感じもしますが。ECMとECM New Seriesの境目はどこへ行ったのだろう、という気にもさせてくれます。変わりゆくECMサウンドを確かめるには、いいかもしれません。

ジョン・テイラー作は７曲中４曲。耽美的なピアノというイメージが強いのですが、このトリオはペースを崩すことなくさりげない緊張感のある場面も出てくることも。高度なまとまりがあります。しっとりとしたメロディをもとに、メンバーが厳かに語り合う１曲目、アルバム中唯一のスタンダードですが、思索的な側面から始まり４ビート的盛り上がりをしつつも比較的自由に飛翔する２曲目、やや乾いた哀愁系のメロディがトリオの中を進んでいく３曲目、淡々と浮遊しているように見えて一体となったトリオのサウンドが見事な４曲目、ケニー・ホイーラー作の、中間色のサウンドの中にやや明るい色合いも見えてくる５曲目、ラルフ・タウナー作の優しいメロディが流れる６曲目、研ぎ澄まされた感性のテーマを持つ不思議なバランスの７曲目。（０３年３月１９日発売）

(04/03/10)このメンバーで２枚目の録音。Arild Andersenが３曲、Vassilis Tsabropoulosが４曲作曲してアレンジが１曲。１曲目は珍しく８分の６拍子でけっこうジャズしていて、ラストのキメがカッコ良い。２曲目はラヴェルの曲が原曲で、哀愁が漂いつつも浮遊感のあるピアノがキラキラとささやきかけてきます。変わったリズムでジャズしている、やや硬質でリズムが強い３曲目、不安定なコードの上を漂っていくバラードの４曲目、このメンバーならではのしっとりとしたバラードの５曲目、テーマが美しく、ECMのトリオらしいバランスで曲を奏でている６曲目、やはり珍しくアップテンポの４ビートで強力に攻めてくる７曲目、フリー・インプロヴィゼーションですがけっこうまとまりのある８曲目、夢見るような美しいメロディの９曲目。 （０４年３月２４日発売）

邦題「天使のことば」。女性３人によるグループです。１９曲目が現代曲である以外は全てヨーロッパ各地 （イングランド、フランス、イタリア）の中世の賛美歌とのことで、ゆったりとした、しかも３声がソプラノの非常に美しい歌が降り注いできます。 賛美歌は作者が不詳のものばかりです。残響音もほどよく、そのコーラスは静かに心の中に染み込んでいく感じ。敬虔な気持ちにもなりますが、BGMにもいいかもしれない。（０２年３月２１日発売）

１、１３曲目がTigran Mansurianの作曲で、ヴィオラとパーカッションとのデュオ。１曲目はアルメニアっぽい旋律の曲で、１３曲目が現代音楽風の演奏。２−１２曲目はKomitas（１９−２０世紀のアルメニアの作曲家）の曲で、Mansurian自身がピアノとヴォーカルで参加。アルメニアの旋律を、なぜかヘタウマな印象のヴォーカルで聴かせてくれます。キム・カシュカシャンのヴィオラも、 その地域周辺の民族の哀愁度がけっこう高いです。 （０３年７月３０日発売）

ロシア現代室内楽曲集との事。前半がアレクセイ・リュビーモフのピアノが加わった演奏。室内楽とは言いつつも、その音世界はロシア現代音楽らしい複雑な展開の音のつながりの部分もあり、しっとりとしたメロディの部分もあります。ECMらしく曲は内面を向いていて、穏やかながら抽象画を見ているような、神経質な演奏が続いていきます。シュニトケとショスタコーヴィチの演奏が並んでいても自然なつながり があります。（０３年３月２６日発売）

邦題「十字架上のキリストの最後の７つの言葉」。１８世紀から１９世紀はじめにかけての作曲家ハイドンの管弦楽曲を弦楽四重奏団用にアレンジしたものとのことで、ハイドンらしく安定していて聴きやすい室内楽に仕上がっています。弦楽四重奏団で演奏した意義は私には分かりませんが、長調、短調ともに比較的ゆったりしていて、そこはかとない優しさがあり、聴きやすさがあります。 落ち着いて聴ける音楽です。（０１年８月２２日発売）

(01/04/01)すでにステファン・ミクスのアルバムは何枚も出ていますが、ここでも多重録音による自作自演をしています。ジャズ度はなく、民族楽器が多いので地域不明の映画音楽を聴いているような印象。無国籍的なコーラスが流れている１曲目、民族楽器なのに西洋的なストリングスのカラーを持つ２曲目、沈黙の中から浮かびあがってくるような３曲目、カリンバの上をヴォーカルがさまよう４曲目、尺八のソロなのでかなりスペイシーで想像通りの曲調の５曲目、エキゾチックな香りが漂う６曲目、スペイシーで地の底から静かに響くようなヴォイスのみの７曲目、これのみトラディショナルで厳かに響く８曲目。幻想的で静かなサウンドが支配する９曲目は、邦楽の香りもちらほらと見え隠れしています。

同じメンバーでの２枚目。全曲デイヴ・ホランドかメンバーのオリジナル。グループはまとまりがあるのですが、変拍子の曲も多く、相変わらずの鋭いサウンドも垣間見せます。いきなり１曲目が変拍子で、中間部がやや変化する１１分台の曲。心地良いアンサンブルのゆったりしたバラードの２曲目、やはりアンサンブルが印象的な変拍子系の３曲目、哀愁漂う９拍子系の４曲目、一風変わったリズムのキメが心地よい５曲目、５＋６拍子系が耳についてけっこうソロが盛り上がるドラマチックな１３分台の６曲目、水彩画のようなバラードの７曲目、ビートが効いていて（これも変拍子系？）ブルースっぽいタイトル曲の８曲目、アンサンブルがカッコ良くてソロもスリリングな９曲目。やっぱり全体的にトンガリ系かな？（０１年８月２２日発売）

エンリコ・ラヴァの久しぶりのECMへの録音。哀愁が漂いまくるトランペットは相変わらず。４曲目の静かに切なくせまってくるスタンダードのタイトル曲以外は彼のオリジナル。ジャズというよりメロディ的な場面が多いですが、しっとり系なのにあまり甘くもならないところがミソ。１−３、６曲目あたりは、やはりECM的でもあるし彼流でもあるし、といった展開。ジャジーには流れずに、メロディの強度を保ちつつ、芯の部分はしっかりしているサウンド。マイナーですが、４ビートなジャズ感覚を持っている５曲目は聴いていて楽しい。８分の６拍子で浮遊感のあるテーマから盛り上がるこれまた硬派なジャズの７曲目、なぜかイタリアらしい明るさに満ちた８曲目、やはりメロディが美しい９曲目。３、８−９曲目のピアノのフレーズは個性的。（０４年３月２４日発売）

(08/11/25)"Text und Musik aus dem Film von Harald Bergmann"の記述があるように、映画の会話と音楽を抜粋してアルバムにしたもののようです。CDの全編に会話が入っていて、そのバックにピアノや弦楽器の演奏が流れているという、ECMの映画のドキュメンタリー的な内容のアルバム。ドイツ語なので内容は聞き取れませんが、ブックレットの白黒の写真は、渋くて地味そうな、ECM好みの映画のようです。かなりマニアックかも。

(02/01/03)アンダース・ヨーミンのベース・ソロの曲と、彼の作曲によるブラスのクァルテットでの録音（１、６、９、１２、１５、１７曲目）の、２種類の録音があります。ブラス・クァルテットの方は１−２分程度の短い曲ばかり。落ち着いていて、やや不思議な浮遊感覚。タイトル曲の６曲目もブラス・クァルテットで、短い曲。ベース・ソロの曲は、他人の作曲が多いです。ただ、知っている作曲家は１６曲目のオーネット・コールマンだけだったので、オリジナルとの境界線は、はっきり言って分かりませんでした。技巧をやたらにひけらかすことなく、淡々とメロディアスに進んでいきます。特に北欧の色彩はなく、やや地味かなという印象。それでも味わいは全体的に寒色系か。１４曲目は牧歌的 な印象です。

(02/02/23)’９０年代にロシアの作曲家Alexander Knaifelによって作曲された２つの曲。前半はただひたすら静かにやさしく奏でられるスペイシーなピアノの音の連なり（１曲目）、癒されるように流れていく弦楽四重奏のサウンド（２曲目）、そして静かな状況はそのままの両者の交歓（３曲目）。後半は時にエキゾチックな、時に落ち着いたソプラノのヴォイスと、サンプリングによるエコーの効いた幻想的な世界へのいざない。

(02/08/10)大半の曲は３人からのオリジナル。曲によって編成は違いますが、管楽器に弦楽四重奏団が入ったり、ドラムス、アコーディオン、ピアノが加わったりという編成。前半は静寂の中からサウンドが入りこんできてメロディがブレンドされていくような曲が多く、そういう曲はクラシックや現代音楽に近いものを感じます。また別な面としてジャズ的なアプローチもあって、そういう曲は後半の曲に多く、自由度も高めです。４曲目はリズミックにジャズとしての語法で語っています。８、１０−１５曲目あたりもそういう意味ではかなりジャズ的。１４曲目は特に躍動感あり。ただし、やはり彼ら流のやや独特な雰囲気のジャズですが。１１、１５曲目はクレジットからするとメンバーのフリー・インプロヴィゼーション。

「無伴奏ヴァイオリンのためのパルティータ第２番BWV１００４」を中心とした曲。新しい仮説に基づいた夢想的なアレンジによる新録音の曲もあるらしいのですが、私には 原曲を聴いていないため、よく分かりません。ヒリヤード・アンサンブルとクリストフ・ポッペンの共演が２曲（１、２１曲目）で、あとはそれぞれの録音。いずれも荘厳な雰囲気と哀愁をたたえつつ、じっくりと聴かせてくれます。やはりバッハらしいサウンド。（０１年１１月２１日発売）

スイスのヴォーカリスト。ECMにしては珍しいヴォーカルのアルバム。でもECMらしいサウンドなので、ジャズの、というとちょっとニュアンスが違う気も。オリジナルや、他者の曲を取り上げ、それに彼女自身が詞を書いたり、E.E.カミングス（詩人）の詞を組み合わせて歌ったりしています。６曲目は曲をバックに詞を朗読。８曲目の「ラウンド・ミッドナイト」はスペイシーな進行。また、カーラ・ブレイの曲が比較的多く（４曲）取り上げられていて、そのメロディが印象的。やや温度感は低いながらも、スペイシーな演奏にマッチした声で淡々と歌われていきます。７曲目はいかにもヨーロッパらしい民族的な雰囲気のオリジナル。さらにインド・アジア方面に飛んだような１１曲目。やっぱりECMファン向けかも。（０２年３月２１日発売）

(03/03/15)Giya Kancheliは２０世紀グルジアの作曲家。３曲ともに編成録音年月が違うのも珍しいかも。ちょっと重いかなという感じ。１曲目はピアノとヴァイオリンで、蒼い荘厳な世界をスペイシー（というよりも静寂の中に音が出てくる）にあらわしている２５分間の演奏。ヴァイオリンとストリング・オーケストラの演奏でサウンドの雰囲気は１曲目と似た感じの２曲目、静寂の中に時々光を見るような、ピアノを含む弦楽クァルテットの３曲目。

(02/01/04)ソロ・ピアノでのアルバムで、全曲ミシャ・アルペリンのオリジナル。アルバム全体を通しても４０分弱で、その中に１２曲が詰まっていて、比較的小品が多い。しかもそのピアノは、派手に舞うことなく、空間を生かして慈しむように奏でられています。哀愁をたたえる音、空間の中からひとつひとつ掴み取ってくる音など、その音の連なりがささやかなドラマを生み出すように発せられていきます。１、３曲目のような哀愁路線があるかと思えば、４曲目のようなソフトにアバンギャルドっぽくユーモアを交える曲もあります。５曲目もその何気ない空間から緊張感を感じます。テンポのつかめる部分は少ないですが、６、８曲目あたりはクラシック的なカッチリしたピアノの印象。ヒーリング系と考えればけっこう硬派か。

(02/08/10)ライヴ。全曲ミシャ・アルペリンの作曲。繊細な演奏のうえに、ベースでなくてチェロを起用している事もあって、独特な雰囲気のサウンドを聴くことができます。確かにインプロヴィゼーションだとは思いますが、静か。静けさの中からピアノとチェロの語りかけが浮かび上がってくるような１曲目、これまた繊細で音数が少ない内向的なタンゴの２曲目、哀愁の漂うしっとりしたメロディでゆったりと進んでいく３曲目、マリンバではじまり、徐々に変化していきドラマチックに展開する４曲目、淡々と研ぎ澄まされたフレーズが、ゆっくり発せられる５曲目、スペイシーなフレーズ自体が闇の深遠さを表わしているような６曲目、太鼓の音と静けさの対比が印象的な７曲目、静かにメロディが流れていくような８曲目。

スゴいメンバー。変則的なクァルテットですが、聴き手を選びながらもレベルの高い演奏です。５、８曲目は全員のフリー・インプロヴィゼーションで他はアバークロンビーのオリジナル。空間の中でそこはかとない哀愁が漂っていく１曲目、ヴァイオリンとギターのアグレッシヴなやり取りの後にギターが活躍して盛り上がる２曲目、しっとりとしたメロディに思わず聴き込んでしまう３曲目、ベースのボンボンという上をゆったりと動きまわるメロディがなるほど「サウンドトラック」らしい浮遊感のある４曲目、タイトルと違ってサンバのリズムはなく、事実上は統制のとれたフリーの５曲目、ECM流のタイトなサウンドの６曲目、ノリの良い４ビートの部分と、ソロでの表現の部分がある７曲目、丁丁発止のインプロヴィゼーションが鋭い８曲目。（０２年３月２１日発売）

「エレジー」というタイトルの曲が２曲あり、いろいろな作曲家の小品が全１０曲、哀歌集とのこと。曲は１８世紀から２０世紀まで様々な年代のものがありますが、不思議にも、通して聴くと自然な感じ。クラシックのピアノ作品ですが、その曲の感触から静かな癒しの要素もあります。現代に求められているようなサウンドで、面と向かって聴かなくても良い雰囲気でもあります。でも真剣に聴くと、重い部分も少しあったりします。（０２年９月２５日発売）

邦題「ドビュッシー＆モーツァルト歌曲集」。ソプラノ歌手とピアノでの演奏で、ドビュッシー（１９−２０世紀）、モーツァルト（１８世紀）、ドビュッシー、モーツァルトの順番で、短めの曲を２２曲も演奏しています。２人の作曲家の時代は違いますが、うまく同居しているようにも思えます。個人的には分かりやすい和声とメロディのモーツァルトの曲の方が好み。かと言ってドビュッシーの色彩感豊かな歌も捨てがたいかも。（０３年５月２１日発売）

(04/08/08)Giya Kancheliは２０世紀グルジアの作曲家。１曲目がチェロ、カウンターテナー、ピアノとオーケストラ、２曲目がピアノとオーケストラの作品。 やはりゆったりとした荘厳なイメージでせまってきて、静かな場面と大きいサウンドの場面の差が大きい感じ。どんなアプローチになっても濃い青色の雰囲気が、彼の曲にはあります。１曲目のカウンターテナーとチェロが幽玄な感じを醸し出しています。２曲目も冷たさと音の大小が印象的。

１８世紀のバッハと、２０世紀のオーストリアの作曲家ヴェーベルンの曲の組み合わせ。特にタイトル曲のバッハの「リチェルカーレ」は２ヴァージョンありますが、どちらもヴェーベルンの編曲とのこと。ここが接点らしいです。バッハらしい曲と、現代音楽の響きを持つ曲との取り合わせ。両者の感触は、ちょっと違います。３−８曲目の声楽アンサンブル編曲の録音は世界初とのことですが、やはりバッハの曲として聴けてしまいます。（０３年５月２１日発売）

(04/01/03)Sofia Gubaidulinaはロシアの現代音楽家。ここでは１−７曲目と１８曲目にBajanというバンドネオンに近い楽器を使用しているのが特徴ですが、民族音楽的な感じはほとんどなく、やはり難解な現代音楽というイメージが強いです。１−７曲目は全員の参加で大きな、そして複雑な色合いの世界を見せてくれます。８−１７曲目はチェロのソロ、１８曲目はBajanのソロ。ソロでもいかにも現代的な印象は変わりません。

(04/01/03)Valentin Silvestrovは２０世紀ウクライナのキエフ出身の現代音楽家。チェロとピアノのデュオ、ストリング・クァルテットの曲やソプラノの合唱、ヴァイオリン・ソロなど、曲により、様々なフォーマットでの演奏。 やはり現代音楽のサウンドですが、情景が浮かび上がってくるような感じ。曲や場面によってはハッとするような美しい旋律が出てくることも。ラストには作曲家自身の演奏でソロ・ピアノが奏でられています。

全曲デイヴ・ホランドのオリジナル。過去のアルバムの再演曲が多いです。アヴァンギャルド的にも聞こえる変拍子の曲もありますが、そのビッグバンドのアレンジはオーソドックスですが華やかな印象。飽きさせません。スピーディーに流れるように進んで行く変拍子の１曲目からそのサウンドは厚く、楽しい。オーソドックスなジャズのブルースという感じの２曲目、アップテンポでたたみ込むように進行していく３曲目、しっとり感からドラマチックに盛り上がっていく変拍子系の１７分台の４曲目、ノリの良いジャズの演奏が聴ける、唯一の新曲の５曲目、厳かな雰囲気で漂っていくホーンサウンドも重層的で美しい１１分台の６曲目、ベースソロからはじまってテンポも自在でドラマチックに展開していく１４分台の７曲目。（０２年１０月２３日発売）

(04/05/05)Valentin Silvestrovは２０世紀ウクライナの現代音楽家。’９７−９９年にこの曲は作曲され、亡くなった妻に捧げられた曲だとのことです。現代的な響きを持つ壮大な印象を受ける曲ながらも、レクイエムらしい荘厳さ、追悼の意をこめた深い黒っぽい色合いがあらわれているようです。曲のタイトルは速さをあらわす単語の表記ですが、その中に物語性が隠されているような気も。静かでしっとりとした場面もやや重みを感じます。

(03/02/22)Hanns Eilserという人の曲を題材にしたアルバム。インストルメンタルの曲もありますが、基本的にはオーケストラをバックにした男性ヴォーカル（オペラとは違う）の曲が多く、９曲目、１５曲目は「オーディオ・ドラマ」という会話のみの録音。クラシックだけでなくて、ジャズや古い時代の哀愁を帯びたポピュラー音楽の要素も。１０、１３、２０曲目のように、フリージャズのようなフリーキーな場面も。１２曲目もジャズと言えばジャズ？。

トリオのロンドンでのライヴ録音。全５曲中スタンダードは最後の１曲のみ。フリー・インプロヴィゼーションとはいってもけっこう聴きやすいはずなのですが、今回は曲によって（３−４曲目）は冒険的。１曲目（２１分）は何となくブルースを連想させるような出だしから、中盤でジャック・ディジョネットのマレットさばきが見事な世界に入っていき、後半哀愁漂う叙情的な情景が現れます。２曲目（２１分）のタイトル曲は出だしは複雑なメロディ（と言うべきか）が噴出。そして、中盤以降徐々に盛り上がってゴスペルタッチが延々続きます。３曲目（１９分）では彼ららしいマイナーの一発モノからフリーへの展開。そして、豪快でノリの良いインプロヴィゼーションの４曲目、しっとりとメロディアスに歌い上げるバラードの５曲目へと続きます。（０１年９月２１日発売）

(03/02/23)現代音楽家のGideon Lewensohnのピアノと弦楽四重奏のための作品（１−５曲目）。やはり現代音楽家らしく、複雑かつ硬質な色合いのメロディとハーモニーで迫ってきて、難しめかつ思索的、ややドラマチックな印象。６、２４曲目はピアノでのスペイシーなソロの曲で、それぞれ違うピアニストによるヴァージョン違い。７−２３曲目の弦楽四重奏でのタイトル曲は、１７の短めな断片の曲から成り立っています。こちらも思索的。

現代音楽家の細川俊夫、イサン・ユンの作品と、バッハの無伴奏チェロ組曲の作品２つとを組み合わせたCD２枚組のアルバム。前者は現代的な、内省的な複雑な曲想を持った曲で、楽器編成もソロ、デュオ、もっと大勢の人の演奏と、曲によってさまざまです。バッハの曲はやはりバッハらしい素直で深みのある印象ですが、両者のカップリングでアルバムのやりたいことが浮かび上がってくるような気がします。（０２年９月２５日発売）

前作「ザ・ウォーター・イズ・ワイド」と同じ時の録音で、その後亡くなったビリー・ヒギンズに捧げられたアルバム。全曲チャールス・ロイドのオリジナル。１曲目はサブタイトルに（フォー・ジルベルト・アンド・カエターノ）とありますが、ボッサ色というよりはしっとり感のある哀愁路線かも。サックスやピアノが心地良いゆったりめのリズムの上を舞う２曲目、テーマ部はともかく、穏やかながら４ビートが基調のジャズを演奏している３曲目、３連系の４ビートの部分もある４曲目、ECMでは珍しく熱い系統のジャズの５曲目、ドラマチックに展開する１２分台の組曲の６曲目、陽気なテーマとアドリブの７曲目、ドラムスのタムタムが印象的な８曲目。前作よりは元気なサウンドで、やはりヒギンズが目立 っているようです。（０１年８月２２日発売）

(03/03/06)ECMでは珍しく、フォーク・シンガー（と思う）のヴォーカルアルバムなのですが、そのサウンドやアレンジはECMらしく幻想的、神秘的、かつエキゾチックなイメージの曲が多いです。曲によってマット・マネリやアレ・メッレルが参加しているので、そのあたりの影響かも。曲はロビン・ウィリアムソン単独での作曲か 参加メンバーの共作のものがほとんどで、ラストの曲はトラディショナル。２、９曲目あたりはカントリーの雰囲気を漂わせ、この辺が彼の地での表現なのでは、と思わせます。１曲目後半や３ 、１１曲目のように音楽をバックに語りの入る曲も。淡々とした語り口と、無国籍的なワールドのサウンドが印象的。 １４曲目は何と１６分台の大作ですが、やはり物語を音楽をバックに語っている、ドラマ性のある曲。

(07/06/18)彼のこのレーベルならではの音数の少なさや硬質な響きは少し影をひそめ、音数の少ない部分もありながら饒舌な部分も目立ちます。ある程度変化にも富んでいます。よりメロディアスに、まるで既成の曲を演奏しているかのような聴きやすいサウンドの場面は前半に多いです。もちろんフリーのアプローチもありますけれど。それほど過激でないですが、時に緊張感をもたらすような、現代音楽的なフレーズも。タイトルからして完全にフリー・インプロヴィゼーションのようですが、少しは聴きやすいアルバムに仕上がっているとは思います。逆にここがプロデュースとの相性の関係で、録音から発売まで長くかかってしまったのかもしれませんが。即興の部分は彼ならではで、ポール・ブレイはやっぱりポール・ブレイです。 （０７年６月２０日発売）

(03/03/07)２曲目のみドラムスCyril Atefの作曲で、他はYves Robertのオリジナル。そして、静かでインタールード的な小品（１、４、７−８曲目）と、通常あるいは比較的長めの曲の組み合わせ。特異な編成のせいか、やはりスペイシーでヨーロッパの暗さをあわせ持ったような 曲が多め。２曲目は薄暗いながらも中盤戦はややリズミカルでメロディアスな展開。１６分台の いくつかの曲が組み合わさったような３曲目は、インプロヴィゼーションとアンサンブルが、時に静かに、ときに三位一体となって進んでいきます。一見バラバラのフレーズを奏でるようでいて、ややドラマ性のあるインプロヴィゼーションが展開される５曲目、前半は闇の奥底から音が発せられるようで、後半徐々に盛り上がっていく６曲目。

全曲トーマス・スタンコのオリジナル。曲名も１−１３と番号のみなので、全編フリー・インプロヴィゼーションかと思っていたら、スローでスペイシーながらも叙情的で哀愁漂う曲調の曲が多いです。それにトランペットがまた哀愁があって、何を吹いても彼の路線になります。１曲目を聴いただけで、彼の世界にハマッていく感じ。２曲目あたりはオーソドックスな４ビートにも多少近寄って色気を見せています。３、１０曲目はテンポも速めで、このレーベルでは珍しく、これぞジャズといった４ビート路線に。５曲目もややジャズ寄り（？）。ただ、やっぱり温度感が低いながらも味わいのあるスローの曲が多いです。不思議と色調は統一された感じなので、通しで 全体の流れを聴くアルバムなのかな、と思います。（０２年６月２１日発売）

(03/02/28)Helmut Lachenmann作の現代音楽で、かなり前衛的な音を発しています。オーケストラからはメロディらしいメロディが出てこず、どうやって音を出しているのか、効果音的な音の連続。タイトル曲は「変動（不安定）の限界」とでも訳すのでしょうか、本当にそんな感じ。やはり不安定な音の連続で、難解とはいえスリリング。ただ、静かな場面が多いです。２曲目は後半盛り上がり型で、３曲目はヴォイスも絡みます。

ヴァレンティン・シルヴェストロフは２０世紀のウクライナの作曲家。’９２年作曲の交響曲と’８４年作曲の交響詩の演奏。１曲目の交響曲は初録音とのことです。やはり現代音楽的に、難解とはいかないまでも聴いていて不安感のあるハーモニー、旋律が続きますが、曲やピアノが叙情的に感じられる気もします。２曲目は前半のダイナミックレンジが広いです。 これも現代的ですが感触的には１曲目と同じような色調があります。（０３年７月２３日発売）

(03/02/23)１７世紀のヴァイオリニストHeinrich Ignaz Franz Biberの作品。３曲目と６曲目は当時発表されなかったものらしいです。当時のバロック音楽というのか、メジャーの曲は柔らかでほのぼのとした、そして唯一マイナーな４曲目は哀愁が漂っている（とはいうもののメジャーな部分もありますが）、親しみやすいメロディの中に時々ドラマがある曲が多いです。オーソドックスで聴きやすいアルバム かもしれません。

邦題「黒猫の歩み」。全曲アヌアル・ブラヒムの作曲。チュニジアのウード（ギターに似たような楽器）の、どことなくアラビックでエキゾチックな香りのサウンドと、ピアノとアコーディオンの哀愁漂うフレンチ音楽のエッセンスが融合して、不思議なせつないサウンドが形成されています。長調の曲もありますが、大半は短調で哀愁の影を落としているような曲。ジャズのフレーズが出てくるわけでもなく、スピーディーな曲があるわけでもなく、３人は淡々と自分たちの世界を奏でていて、それが心にせまって来る感じ。比較的安心して聴けます。曲によってはデュオだったりソロの演奏だったりします。いわゆるジャズからは遠ざかりますが、これはこれで個性的。少々聴く人を選ぶかも しれませんが、雰囲気的にはいいかも。（０２年１０月２３日発売）

邦題「シューマン：弦楽四重奏曲第１番・第３番」。１９世紀作曲家のシューマンの作品の中では、地味だと言われる弦楽四重奏曲にスポットを当てたアルバム。ここの演奏は情熱的で解釈が斬新なのだそうですが、そういう点はよく分かりません。なるほど「第１番」の４楽章や「第３番」の２楽章の盛り上がる部分などが、そういう雰囲気か？温度感はやや高めな気も。ドラマチックに展開していく風景が心地良く感じられます。（０３年３月２６日発売）

(03/02/23)アコーディオン奏者のFrode HaltliはこのCDの録音当時でまだ２０代後半。難解な現代音楽をアコーディオンで弾きこなしているという印象です。タイトル曲の１曲目も、とっつきにくそうな複雑なサウンドを持っていて、ソロでの演奏。他の曲もかなり難しそうで、しかも内省的。かなりな表現力だとは思います。３曲目のみストリング・クァルテットが加わりますが、２３分台の日本の雅楽をヒントにした、やはり現代音楽的な演奏。

邦題「オリエント＆オクシデント」。オーケストラの曲や、合唱団とオーケストラの曲が合計３曲。１曲目は荘厳な雰囲気もある「巡礼の歌」。２曲目のタイトル曲は、民族音楽的な部分ではなくて、音楽の思想的な部分で東西の巡り合わせが見られるような曲想で、やはり重く蒼い雰囲気。３曲目「水を求める鹿のように」は、やはり荘厳路線の哀愁も漂わせる雰囲気。 難解さはそれほどないですが、宗教色はここでもけっこう強めです。（０２年１１月６日発売）

デュオでのライヴ録音。最後の曲のみジャック・ディジョネットの曲で、残りは２人の共作となっています。１曲目は淡々と進んでいく哀愁の漂う１５分台の曲ですが、サックスとドラムスのデュオだけでなく、シンセサイザーやシンセ・ベースの音なども重ね合わされています。そして、けっこうハードで縦横無尽に２人で飛びまわっている２曲目、ドラムスも歌って２人でメロディを奏でていくような３曲目、デュオながらタイト（？）にタテノリを基調として進んでいく４曲目、エレクトリック・パーカッションがエキゾチックな響きを持つ５曲目、バリトンサックスとドラムスが爆発している６曲目、ディジョネットのピアノとバスクラリネットのデュオが美しい７曲目。その場のインプロヴィゼーションの曲もあれば、練られた曲もあるような感じ。（０２年３月２１日発売）

(04/11/14)全曲Trygve Seimの作曲、やや大きめの編成で、４−７曲目の組曲はそれにストリング・セクションとトロンボーン、指揮者がつきます。ビッグ・バンド・ジャズというよりはクラシックの金管・木管のオーケストレーションを聴いているような雰囲気の曲が多いです。１曲目は静かにはじまり、まさにクラシック（現代音楽）との境を漂っているような感じ。１２分台の２曲目はビートがやや出てきて、抑制気味ながらも立体的な動きのあるドラマチックなサウンドに。厳かでリズムのプログラミングが融合して自然に響く３曲目、やはり静かめのクラシックのオーケストラといった響きの大作の４−７曲目の組曲、ドラムスとホーン２本でスペイシーで静かに進んでいく８曲目、そのサウンドは、まさに「祈る人」のように感じる９曲目。

(08/06/15)Morton Feldmanは２０世紀アメリカ合衆国の作曲家。１−３曲目は比較的少数編成のアンサンブル、４曲目がオーケストラがバック。現代音楽らしく、静かながらもとっつきにくいヴィオラのメロディが流れていて、その背後にはパーカッションその他の楽器がインプロヴィゼーション的あるいは非イディオム的にまとわり着いているような曲調。４曲目は大編成になるのだけれども、基本的なサウンドは全体を通して同じイメージ。

(05/08/04)Kalija Saariahoはフィンランドの、John Cageはアメリカの、Bruno Madnernaはイタリアの２０世紀現代音楽家。ここではいかにも現代音楽という感じの演奏を繰り広げています。１曲目はやはりけっこう前衛的なアンサンブルで蒼系統のサウンド。２−５曲目はジョン・ケージ作なので覚悟していたら、あまり過激でもなく、ほのぼのとした場面もありました。６−７曲目のタイトル曲はややおっとりしていながらも現代音楽の香りが濃厚。